La palette du peintre venait du jardin
Avant que les tubes de peinture n’existent, les artistes fabriquaient eux-mêmes leurs couleurs. Leur atelier ressemblait autant à un laboratoire qu’à un lieu de création. Chaque pigment venait de la nature : minéraux broyés, terres colorées, et surtout… plantes tinctoriales.
Ces plantes qu’on appelle “tinctoriales” (du latin tingere qui signifie “teindre”) n’ont pas seulement coloré les tissus. Elles ont aussi donné naissance aux couleurs qui ornent les fresques médiévales, les enluminures des manuscrits, les tableaux de la Renaissance et même certaines œuvres contemporaines. Leur histoire, c’est celle d’un lien intime entre l’artiste et le végétal.
5 000 ans de peinture végétale
L’utilisation de plantes pour créer des pigments remonte à la nuit des temps. Dans les grottes préhistoriques, nos ancêtres utilisaient déjà des charbons végétaux pour leurs dessins. Mais c’est surtout dans l’Égypte ancienne que la peinture végétale prend son essor : les artistes utilisaient la garance pour les rouges et l’indigo pour les bleus dans leurs fresques funéraires.
Au Moyen Âge, les moines enlumineurs passaient des heures à préparer leurs encres et leurs peintures à partir de plantes. Dans les monastères, on cultivait de véritables jardins de couleurs : pastel pour les bleus, garance pour les rouges, gaude pour les jaunes. Chaque manuscrit enluminé était un trésor de patience où chaque lettre peinte reflétait la lumière différemment selon les pigments végétaux utilisés.
À la Renaissance, les grands maîtres comme Cennino Cennini écrivaient des traités entiers sur la préparation des couleurs. Dans son célèbre “Livre de l’Art” (1437), il détaille comment extraire les pigments des plantes, comment les broyer, les lier et les appliquer sur différents supports.
Quatre plantes indispensables au peintre
Le pastel : le bleu des fresques et des enluminures
Le pastel (Isatis tinctoria) était la source principale de bleu pour les peintres européens avant le XIXe siècle. Pour obtenir le pigment, on suivait un processus complexe :
- On récoltait les feuilles de pastel
- On les broyait et les laissait fermenter
- On formait des boules qu’on séchait (les fameuses “cocagnes”)
- On extrayait l’indigotine, cette molécule bleue
- On la réduisait en poudre fine pour créer le pigment
Ce bleu, légèrement plus clair et plus doux que celui de l’indigo, illuminait les ciels des fresques italiennes, les robes de la Vierge dans les retables, et les bordures des manuscrits médiévaux. Les peintres appréciaient sa stabilité à la lumière et sa capacité à se mélanger harmonieusement avec d’autres pigments.
La garance : le rouge des maîtres
La garance (Rubia tinctorum) était le trésor des peintres pour obtenir des rouges profonds. Ses racines séchées et broyées donnaient plusieurs nuances selon la préparation :
- Le rouge garance : un rouge chaud et vibrant
- La laque de garance : obtenue en précipitant le colorant avec de l’alun, donnant un rouge translucide magnifique pour les glacis
Les peintres flamands et hollandais du XVIIe siècle adoraient la garance pour peindre les drapés, les chairs, les couchers de soleil. Rembrandt l’utilisait dans ses glacis pour créer cette profondeur lumineuse caractéristique de son œuvre. Van Eyck s’en servait pour les rouges chatoyants des vêtements dans ses portraits.
Ce rouge végétal avait un avantage énorme : contrairement à certains rouges minéraux toxiques (comme le vermillon au mercure), il était relativement sûr à manipuler.
La gaude : le jaune lumineux
La gaude (Reseda luteola) offrait aux peintres un jaune clair, lumineux et stable. Moins intense que les jaunes minéraux, elle avait une qualité particulière : une transparence naturelle qui la rendait idéale pour :
- Les glacis dorés sur les auréoles des saints
- Les jaunes doux des paysages
- Les verts obtenus en la mélangeant avec du bleu de pastel
Les enlumineurs médiévaux en faisaient grand usage, car son jaune restait brillant même sur parchemin. On la retrouve dans d’innombrables manuscrits du Moyen Âge, où elle apporte cette lumière dorée caractéristique.
L’indigo : le bleu qui a révolutionné la palette
Quand l’indigo (Indigofera tinctoria) arrive d’Inde en Europe au XVIe siècle, c’est une révolution pour les peintres. Son pouvoir colorant est quatre à cinq fois supérieur à celui du pastel européen. On obtient des bleus plus profonds, plus intenses, avec moins de matière.
Le pigment d’indigo était particulièrement apprécié pour :
- Les ciels dramatiques
- Les ombres profondes
- Les vêtements bleu nuit dans les portraits
- Les fonds sombres qui faisaient ressortir les sujets
Les peintres baroques l’ont adopté massivement. C’est ce bleu qu’on retrouve dans les ciels orageux des paysages hollandais ou dans les fonds mystérieux des tableaux du Caravage.
Du jardin au tableau : les secrets de l’atelier
Transformer une plante en peinture était tout un art que chaque peintre maîtrisait. Voici comment procédaient les artistes :
Étape 1 : Cultiver ou récolter
Beaucoup de peintres cultivaient leurs propres plantes tinctoriales dans leur jardin ou achetaient les plantes séchées chez un apothicaire. Certains ateliers avaient même leur propre “jardin de couleurs”.
Étape 2 : Extraire le pigment
Selon la plante, on pouvait :
- Broyer les feuilles séchées (pastel, indigo)
- Réduire les racines en poudre (garance)
- Faire bouillir la plante pour extraire le colorant (gaude)
Étape 3 : Préparer la laque
Pour obtenir un pigment utilisable en peinture, on créait souvent une “laque” : on précipitait le colorant végétal avec de l’alun ou de la craie. Cela donnait une poudre colorée fine et stable.
Étape 4 : Créer le liant
Le pigment seul ne suffit pas. Il fallait le mélanger à un liant :
- Œuf (jaune ou blanc) pour la détrempe
- Huile de lin pour la peinture à l’huile
- Gomme arabique pour l’aquarelle
- Colle de peau pour les fresques
Étape 5 : Tester et ajuster
Chaque lot de pigment végétal était unique. Les peintres testaient toujours leurs couleurs avant de les appliquer sur l’œuvre finale. Ils notaient les proportions, les mélanges réussis, les effets de lumière obtenus.
Les secrets du métier
Les traités anciens révèlent des astuces fascinantes :
Pour intensifier les bleus : Cennini conseillait d’ajouter un peu de blanc d’œuf dans la préparation du pastel pour le rendre plus lumineux.
Pour les glacis rouges : On superposait plusieurs couches fines de laque de garance diluée dans l’huile pour obtenir ces rouges profonds et translucides des maîtres flamands.
Pour les verts vibrants : On ne mélangeait jamais directement bleu et jaune sur la palette. On appliquait d’abord une couche de gaude jaune, puis on posait par-dessus un glacis de pastel ou d’indigo. Le résultat était bien plus lumineux.
Pour la conservation : Les pigments végétaux, plus fragiles que les pigments minéraux, devaient être conservés à l’abri de la lumière et de l’humidité, souvent dans des vessies de porc séchées.
Le déclin à l’ère industrielle
Au XIXe siècle, tout change avec l’invention des couleurs synthétiques. En 1856, William Perkin découvre par hasard le mauve d’aniline, premier colorant synthétique. Suivent rapidement des dizaines d’autres couleurs artificielles.
Pour les peintres, c’est une révolution : les tubes de peinture apparaissent, prêts à l’emploi. Les Impressionnistes sont parmi les premiers à profiter de cette innovation. Monet peut sortir peindre en plein air avec sa boîte de couleurs toutes faites. Plus besoin de passer des heures à préparer ses pigments !
Les plantes tinctoriales disparaissent progressivement des ateliers. Les couleurs chimiques sont plus stables, plus vives, plus pratiques. Mais quelque chose se perd : ce lien intime entre l’artiste et la matière, cette connaissance profonde de l’origine de chaque couleur.
Le grand retour des pigments végétaux
Depuis une vingtaine d’années, un mouvement se dessine dans le monde de l’art contemporain et de la restauration. Des artistes, des restaurateurs et des chercheurs redécouvrent les pigments végétaux.
Dans la restauration d’œuvres anciennes
Pour restaurer fidèlement un tableau médiéval ou une enluminure, il faut comprendre les matériaux d’origine. Des laboratoires comme ceux du Louvre ou de l’Institut national du patrimoine étudient les pigments végétaux pour retrouver les techniques anciennes. Certains restaurateurs refabriquent même leurs propres pigments de garance ou de pastel pour réparer des œuvres en respectant leur authenticité.
Dans l’art contemporain
Des artistes comme India Flint, Michel Garcia ou d’autres pionniers de l’éco-art utilisent exclusivement des pigments végétaux. Leur démarche est à la fois esthétique et écologique : créer des œuvres en harmonie avec la nature.
Dans l’enseignement
Les Beaux-Arts et certaines écoles d’art intègrent à nouveau des ateliers de fabrication de pigments végétaux. Les étudiants apprennent à cultiver des plantes tinctoriales, à en extraire les couleurs, à comprendre la chimie naturelle de la peinture.
Pourquoi ce retour ?
- L’écologie : Les pigments végétaux sont biodégradables et non toxiques
- L’unicité : Chaque lot de couleur est unique, jamais parfaitement reproductible
- La démarche : Fabriquer ses couleurs ralentit le processus créatif, l’approfondit
- L’esthétique : Les couleurs végétales ont une qualité particulière, une “respiration” que n’ont pas les couleurs synthétiques
- Le sens : Renouer avec les gestes ancestraux, comprendre d’où vient la couleur
Une peinture réalisée avec des pigments végétaux vieillit différemment. Elle évolue avec le temps, comme une matière vivante. Pour certains artistes, c’est cette fragilité même qui fait sa beauté.
Conclusion : peindre avec le vivant
Redécouvrir les plantes tinctoriales dans la peinture, c’est retrouver une relation organique à la couleur. C’est comprendre que le bleu du ciel sur une toile peut venir de feuilles de pastel fermentées, que le rouge d’un vêtement peut naître de racines de garance, que le jaune d’un rayon de soleil peut être extrait de fleurs de gaude.
Dans un monde où la couleur est devenue instantanée et industrielle, ces pigments végétaux nous rappellent que la peinture fut d’abord une alchimie, un dialogue patient entre l’artiste et la nature. Chaque couleur devait se mériter, se comprendre, s’apprivoiser.
Les peintres qui travaillent aujourd’hui avec ces plantes ne cherchent pas seulement à recréer le passé. Ils explorent une autre façon de créer : plus lente, plus consciente, plus vivante. Leurs œuvres portent en elles la mémoire du végétal, le cycle des saisons, la lumière qui a nourri les plantes. Ce n’est plus seulement de la peinture, c’est de la nature transformée en art.